觀乎人文 以化成天下--文化 創意 產業

最近好像電影在文創論述上出現一波風潮，最新出刊的商業週刊，封面故是就是電影（裡面也出現下述人物的身影），且對臺灣電影市場，應該說臺灣製片環境相當樂觀，預計下半年台產片出線的頻率很高，票房很好，尤其是「賽德克巴萊」更是看好、好上加好、還要更好。
其實從海角七號以前，臺灣部分的電影就開始具有吸引觀眾的能力，海角七號的爆紅可以說打一劑強心針，此後每年一部，今年大概輪到雞排英雄，下半年更是有強片。
當然更值得注意的並非只是票房，部分的創作團隊認識到大環境、產業鏈問題，在回本/賣的好以後，更開始著手面對這個問題（不見得能解決）。下述的報導就在談這個。這種討論屬於電影產業，而非談電影。要談文創產業，用詞說法比較接近下面，而談什麼文本拉，漫遊在千古赤壁或巴黎街頭，那再談100年也談不到產業上去。
這一波看來因為悶了20年，創作者（不管是那個環節）們懂得聯合起來，不管是垂直的產業鏈整合，或者是水平的跨團隊協調，都有意識在做，也有聽說甚至會跟電影院談檔期：比如變形3大家就別上了吧...都看到火災了。但是暑假強檔後就要粉墨登場。

最近雖然有一些零星的文化新聞，不過都還不太具有文創產業的深刻意義。比如前北市府副市長李永萍，將轉任台北市文化基金會董事長，並宣稱她要「拼文創」，不過好像端的菜還是過去那幾道：
李永萍：拼文創而非返郝市府
http://www.cna.com.tw/ShowNews/Detail.aspx?pNewsID=201012230241&pType0=aLOC&pTypeSel=0
倒是今天這則經濟日報的社論，從媒體、電影與科技業投資來觀察，倒有不少反省。對於台灣與中國的電影市場，大概分析的滿深入淺出，比如「近年來，不賠錢的賣座電影，包括海角七號、艋舺或父後七日等，都不是出自這些科技文創企業或基金之手，顯示台灣影視產業的產業化模式仍待摸索。」；比如「，「合拍片」的市場魅力固然誘人，但目前因為合拍片而大賺的台灣影視企業並不存在，顯示把台灣創意綁入中國大陸合拍的框架裡，並非明智之舉。」；「台灣影視產業應有自知之明，要發展出類似美國八大電影公司規模的企業，不切實際也不可行，但可以想辦法發展產業鏈的某一個環節，讓台灣成為亞洲區域重要基地...」大概已經出現了文創代工的概念了。

今天在中時上有2篇專訪魏德聖導演的專文，講述他對電影作為一種產業，甚至文創產業的看法。其實以他一個拍商業片為主的導演，說出這些意見，應該相當大部分把他對電影的看法表達得很清晰，重點有點到。不過有趣的是，他對電影業，乃至於台灣電影/文創業的看法，一定不等於其他的從業者或導演，只能說這是他一個願意或致力拍商業片導演對環境的看法。
像最近也聽到第四張畫導演對電影的看法，他這位留學國外、長期拍廣告片的導演，對電影的看法就不太一樣，他覺得電影是拍人、不是拍物品，跟講求商業利益的廣告不太一樣。那就更有趣的，這麼多導演，乃至於電影跟藝術界的意見對比，以電影來說，究竟是「第八藝術」？還是「必須接受商業洗禮」？下文提及的大小眾問題，在此兩個邏輯之間並不矛盾，甚至可以並存：商業片裡面也會有大小眾問題。
也剛好最近金馬獎發佈名單，許多媒體、影評人紛紛在討論哪部片好看？哪部片跟金驢重複率有多搞？其實小弟不關心這些問題，反而，中國大陸片從數量、從演員提名上，才是值得關注的。甚至從港片崛起後，台灣的工作者提名、獲獎的比例有多高？甚至土產的影片數量足以支撐起一個「獎」嗎？這跟電影產業成熟與否是否有關？如果台灣電影市場已經不構成熟，甚至要跟對岸「混種」，那麼這個獎項的意義為何？
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文創抓得住 經濟效益跑不掉 感動，怎麼能量化？

兩年前的今天，你在做什麼？不會在MSN上揪團看「海角七號」吧？
今天在中時上有一篇滿重要的投書，是實踐大學時尚與媒體設計研究所教授李天鐸、台灣藝術大學電影研究所研究生梁友瑄共同撰寫的投書，裡面從數據、從趨勢、從各國政策推動介紹，最後回到台灣，探討一個根本問題：台灣究竟是否適合推動電影產業？台灣對中國這個電影新興市場乃至於文創產業，究竟如何發展？
裡面也出現了「充斥著一股情勢看漲的假象」等用語，以及從數字上看，海角七號等片究竟是春燕來了，還是曇花一現？拉長時間點回去看，果然才別具意義。
下面提到的一堆現象，包括韓國、泰國怎麼推電影產業，我想都介紹的滿清楚，過去我們這裡對提出類似的概念，只是下文介紹的更清楚。

想討論這則意見，是因為出自最後一句話：「電視劇就是垃圾，看完就忘掉，就像是吃泡麵一樣，吃完之後得不到任何營養。」《台灣霹靂火》編劇鄭文華如是說。
仔細反想，電視劇究竟是不是垃圾？還是台灣（或者香港）的電視劇才是垃圾？使用垃圾的意義，大概是：用完即丟，沒有收藏價值，也因此沒有人會說翠玉白菜是垃圾。
那就在反思一下垃圾的意義所指為何，如果一如下述：情不外乎是Ａ不斷的作惡多端、Ｂ不斷地受到打壓、Ｃ不斷地嗆聲、Ｄ不斷地被賞巴掌。連公式都已經找的出來，那真的對每一齣而言都只是用完即丟。
但每一個地區出產的電視劇，都是這樣嗎？似乎不是吧？4月初要在台灣放送的The Pacific，也是電視劇，那算垃圾嗎？日本的砂之器算垃圾嗎？韓國那個申潤福的電視劇(還被聯合報前兩週南韓專題選圖)算垃圾嗎？
The Pacific：好像比打巴掌更嚴重，因為要見血
砂之器：這齣劇才真正具有影視觀光的力量，尤其相對台灣那種觀光局什麼怪單位刻意的影視觀光計畫。
風的畫師：還被聯合報前兩週南韓專題選圖
所以問題不在於電視劇本身，而在於那裡出產、怎麼製作的問題吧？
為何台灣上映的主流電視劇，沒有這種可以令人驚豔的東西？偶像劇好像也可以看出一些公式。是本地人士與創作人才水準不夠嗎？還是整個產業環節出了問題：只能削價競爭？
下面也提到了，當有線電視台進入戰局，電視劇延長到120分鐘、超時工作時，對任何一方，連對觀眾都是消耗戰。那有解嗎？
如果無解，當韓國、日本、美國劇可以透過版權談判輸出台灣時，台灣拿什麼輸出？當然，民視的戲劇有輸出對岸配成北京語版，但相對HBO這種「創意產業」，台灣也有機會玩一下這個遊戲嗎？如果很難，那連電視產業這麼強勁的部門(排行文創營業額第一位)都如此，那其他...

最近在中時上看到一篇談電影的，完全從「財經」角度去看，很有趣。相對於文本解讀--尤其一直在解讀什麼艋舺、海角七號的本土意味，然後空泛地期待國片振興了，越看越厭煩。
倒是沈雲驄社長從美國最近即將出現的新財務工具--電影期貨，到產生新的想像以及趨勢。
簡單說，電影期貨就猶如球場外下注，但跟感覺上他們跟純粹的「運動博奕」不一樣的是，場外下注最後可能影響場內比局(這一點跟台灣的特色就滿像)。
小弟一直在思考一個問題：究竟什麼是電影？這一點題過很多次，如果只是拿攝影機、有一些演員以及腳本等就是電影，那尺幅好像太寬了；但後來思考下來，如果以「能夠有一定資本規模，以及能上映電影院放映」，包括投資規模、電影院廳數等綜合去思考，那電影可以限縮在「電影產業」的範疇，焦點似乎就比較精準。
或者換個話說，如果談電影產業的話，那市場是必要因素--不管是小眾還大眾，都是涉及市場關係：投資/融資、製作、上映、拆帳、票房回收、衍生商品回收等循環。
如果接受上面的簡單價值鏈循環，那回頭看下面的財經漫遊，上述的市場關係，很簡單能有一個元素貫穿--錢，似乎愛恨電影期貨是可以玩的一個對象。至於他所產生的後遺症，那當然下述沈社長已經提出。
那又回到電影本身，當我們一直標榜電影是「第八藝術」，把電影和藝術劃上等號時，美國人是這樣在玩電影的。那電影最後會不會重新被定義？如果電影/電影產業被重新定義(可能因為通路)，對文創是否有什麼啟示？
如果創意產業「期貨」化，那一些藝術業是否未來也可以比照？比如畫作、特殊戲劇或音樂演出？
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財經漫遊－愛恨電影期貨
2010-03-13 中國時報 【沈雲驄】
 
    　再過不久，這世界又將增加一種新的金融工具：電影期貨。看好一部電影的票房，你可以買進；看壞，可以放空。
    　最快在下個月，紐約Cantor Fitzgerald集團，將會推出史上第一檔「電影衍生性金融商品」。最低只要五十美元，你就可以進場押注。另一檔由Veriana公司推出的「趨勢交易」期貨，預計也將在今年上路。
    　這種期貨的玩法不難懂。比方說，假設即將上演的《鐵面人二》票房目標是一億元，而你用一百元買進，那麼，到時候的實際票房收入是兩億，你就可賺進一百元；相反的，假如票房奇慘，只有五千萬元，那麼你將會賠掉五十元。以此類推。而按照目前兩家業者的規劃，你能押注的還不只是票房。包括製作風險（最後是否真的能成功拍完）、預算風險（實際上是否會超出預算）、檔期風險（能否如期上檔）等，你都可以賭賭看。
    　業者很得意，都說電影期貨是種很棒的發明。一來，以後所有投資電影的人，都能夠有避險的工具，不至於因為誤判而血本無歸。誰都知道，電影的投資風險越來越高，難以掌握的消費者口味，無法估計的盜版與下載，都可能讓一部花好幾千萬美元拍出來的片子，上映沒幾天就草草下片。假如可以透過這種期貨來降低可能的損失，當然再好不過。
    　二來，也是更重要的，比起石油、大麥、柳橙等期貨，電影在一般投資者眼中，有趣且容易理解。大麥收成好不好，多數人不懂，但一部電影好不好看，多數人都願意猜，也會更勇於下注，電影期貨的交易量，自然不在話下。
    　這也就是為什麼，當這兩家業者從去年底開始舉行說明會以來，電影期貨就引起好萊塢熱烈討論，電影公司財務長們，都在研究各種對自己有利玩法；知道這消息的電影迷，也在好奇著如何把興趣變現金，在電影期貨賺一票。
    　且慢這麼想。因就像近年來各種衍生性金融商品，推出時候，大家都只看到好處與機會，對風險與問題視若無睹。電影期貨聽起來很好玩，實際上的問題，卻遠超出散戶的想像。
    　首先，對一般散戶來說，要事先判斷票房好不好，當然沒那麼容易。從《海角七號》到《艋舺》，誰能預見票房？周董的《刺陵》，全至賢的《血戰》，誰又料到票房不如預期呢？平常猜著好玩可以，但要拿血汗錢去賭，就不是件可以鼓勵的事了。
    　其次，電影業畢竟與農業不同。農產品的價格受天候影響，而沒有人能操縱天候。從預算到檔期，電影業處處都有人為操作的空間。即便是票房，要硬炒高也許不容易，但要讓票房差，卻不是太難的事。尤其，這年頭要搞假消息也很容易，比方說，有意在電影期貨上撈一票的業者，可以透過大量的宣傳與報導，營造大熱門片的假象，誘騙不知情的散戶上鉤。一般散戶，要如何知道自己是否掉進業者的圈套之中？
    　更重要的是，這種電影衍生性金融工具假如被不當操作，最後真能幫助電影業，而是回過頭來害了電影，就很難說了。就像剛剛害慘全世界的所謂「信用違約交換」（credit default swaps，簡稱ＣＤＳ），照理說，這種工具很好，能讓「違約」的風險，「交換」給願意承擔的人──例如，承擔房貸的銀行，能把風險轉移出去；買了希臘公債的人，也能用這種方式，降低自己的可能損失。
    　但是現在大家都看到了，這些原本立意很好的衍生性工具，最後反而害人。房貸的ＣＤＳ──也就是次級房貸──倒過來害了很多人丟了房子；希臘公債ＣＤＳ，現在正害得希臘人必須付出更高的代價才能借到錢。
    　同樣的道理，電影衍生性金融商品假如沒有較好的規範，杜絕各種人為操作，電影業必將反過來身受其害──有錢人不再單純投資電影，而是同時想著在期貨市場上獲利；散戶們再也不單純地看電影，而是懷著賭的心態。
    　有人比照次級房貸，將電影期貨稱為「次級電影」（subprime movie）。真怕有一天，看電影會成一門染著投機氣息的「次級」娛樂。（作者為早安財經出版社發行人）

剛剛在電視上看到，即將要頒發奧斯卡獎了。也作了個大標題：前夫妻將對決，而且前妻在其他電影展裡面也是戰功彪炳，不見得會輸給柯麥隆。
James Cameron and Kathryn Bigelow: Exes go from divorce contention to Oscar contention
倒是後來看到中時這一篇，從阿凡達去看奧斯卡。也點到近來中國熱與美國奧斯卡之間的關係。首先要說的是，關於奧斯卡收視率，其實幾年以前的報導就已經在討論，其實諸如youtube之類能剪輯的網路影片出現後，冗長數小時的轉播，當然沒時間看這些不好笑而無趣的典禮，女星衣服就俗俗看拉，重點是一些重要的鏡頭，搞不好不超過10分鐘，看剪輯版就好了。
新媒體的出現，網路取代過去動則數小時的電視節目(甚至1小時以內拖拖拉拉的連續劇，都不想看了，只想看剪輯版或快轉，真是AV化)。
另外關於中國熱，會不會下文筆者過於自抬東方味的身價了？其實既然是中國「熱」，那當然會有退燒的一天。臥虎藏龍都2001年的作品了，現在還搞這一套，那恐怕是美國人腦袋有問題。其實在幾年前中國電影市場崛起，中國片可以有自己的內需市場，也就支撐起來了，也順便可以養養台灣的人才，自己形成一個區域市場，也就夠了。至於設防云云，奧斯卡本來就是一個美國學院、民眾選擇的獎項，為何一定要獨厚中國題材？而且美國人自有其世界觀/話語型態，怎麼可能對其他地區的文化產品「不設防」？
「寰宇主義」的知識份子或者是文化人，往往存在一些想法，認為其他人都應該要環抱一樣的寰宇主義或世界主義精神，但仔細想來，奧斯卡為何要對東方題材這麼友善？以及，為何東方題材，就算是在美華裔拍的，一定要受到奧斯卡的讚許？
對了，今天在聯合上還看到一篇，建議要拍「吃」題材的電影。我立刻就想到李安導演。李安以前不就有個「飲食男女」嗎？我記得仔仔跟侯佩岑女士也都拍過美食題材的阿？

這一期的商週話題人物是李烈，談的是艋舺。
有趣的是，在過年以後，報紙上有幾篇針對艋舺的投書，談論不外幾個觀點：本土題材、影視觀光、國片又有春天等。當然錦上添花的多，也順便捧捧自己的人氣。
倒是一些談艋舺的文章中，小弟感覺這一篇商週的整理比較好。而且有別於訪問導演談創作理念與過程，找製作人李烈，談如何「製作出」一部「商業性」的國片，面對過年檔期等細節，才對產業有所啟發。
在這一篇最後，報導統整了近年幾個回收率超過100%的國片，李烈製作的占兩部。可見，李烈在跨足幕後後，依據下文的報導，她的確掌握住台灣電影市場的推動方式，或者說，他掌握住一部電影生產到最後回收的過程。
當然，李烈未必是唯一的典範，但她是成功的一個典範。
五大點，我想商週已以整理出來。可以自己閱覽。但關鍵在於，李烈的作法，是由後往前，或者說是從周邊往核心回來想的。這是一種典範的轉移。過去我們總是說，要先編好一個劇，要很有社會意義，然後找演員等，一邊拍一邊找錢，最後拍完後再想去哪裡上映。這是由前往後的方式。而何時上檔，上那個檔等，在過去比較走作者論的方式拍攝，似乎比較是後來再說，甚至不是主要考慮的點。
但是以下文看來，這不是李烈的打法。李烈打法比較類似好萊塢，或類似商業的模式，先估算可能的票房、上映規模、可能資金來源，在漸漸往文本裡面填。也包括刻意要找明星，先丟話題，想檔期，這是過去國片比較少想到的。
文末幫我們整理的幾部國片，其實都有幾個特色，那就是他們越來越重視行銷技巧、曝光、話題，可以說國片已經悄悄在轉型，轉的不是題材，而是作法，甚至是製作方式。當然也看到一些成績。
但更主要的是，這些國片回收率超過100%，是因為票房好，還是因為成本太低、投資額低？
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李烈把國片帶入行銷新紀元《艋舺》票房5步驟致勝術
艋舺》拿下台灣影史上諸多第一，背後皆有精準的操作，以及詳細的計算，推升台灣電影工業更上一層樓。
 
先卡黃金檔期再想產品，李烈把國片帶入行銷新紀元。（攝影者．程思迪）
今年春節檔電影《艋舺》創造了四個第一：首先，它創下台灣國片史上首日賣座最高票房，單日一千八百萬元；其次，它僅花六天，全台票房破億，破億速度為台灣國片史上之冠，華語片第三，僅次《功夫》、《色戒》；再者，它創下台灣國片播放廳數最多紀錄，超過一百六十廳同步上映；此外，它是二十年來，首部擠進春節賀歲檔期的台灣國片。
二月二十三日《艋舺》票房破二億三千萬元，上映十八天，逼近《海角七號》上映逾百天的五億三千萬元的一半票房。這四個第一，幕後主要操盤手是監製李烈。 她第一部監製作品《囧男孩》以小成本之姿賺錢，與《海角七號》成為○八年最受歡迎國片。有此成功經驗後，她以近企業管理的方式監督《艋舺》每個環節，業界以「達成率很高」來形容她。
顛覆傳統模式：
先卡戲院春節檔期，再想產品
第一步，敲定黃金檔期，再開始拍片。這個反向操作模式，也是《艋舺》賣座關鍵，也因為這樣，《艋舺》必須走高成本、高票房策略。
過去，戲院不願在春節播放國片（編按：指台資國片，不含港資、外資製作的華語片），因為殺青時間不確定、片子不夠氣派、票房不夠漂亮。政大廣電所副教授陳儒修分析，「戲院像7-Eleven，需要固定有貨品上架，」好萊塢是一個非常穩定的供應商，台灣供貨不穩定，品質又不能保證，戲院當然會將春節檔期優先讓給好萊塢六大片商。
然而，春節是黃金檔期，有基本票房，李烈想突破二十年來台灣國片卡不進春節賀歲強片的窘境。
○九年二月，李烈拜訪美商華納兄弟公司台灣分公司總經理石偉明，提及該片規畫。石偉明說：「如果你們做得出來，就讓你們上春節檔。」李烈問：「上春節檔有什麼重點？」石偉明回答：「要讓觀眾有『哇！』的感覺。」
「為了這句話，讓我們把《艋舺》的規格拉得這麼大。」李烈說：「我們算一算，三千萬做不出『哇』的感覺，至少要五千萬……，能不能有『哇』，我們一路上就拚這個東西。」
當時石偉明不止邀約此片，但在李烈眼中，華納兄弟是前三大發行片商，有基本票房保證，機會臨門一定要抓住。為讓觀眾「哇」，資金、卡司、行銷，全部改採「大片策略」，重訂遊戲規則。
過去，國片像手工業，導演先專注完成作品，再去談檔期、異業結盟行銷、開發周邊商品，就像大廚先埋頭買菜、煮菜，再想客人、想餐廳；《艋舺》則先訂下大餐廳，確認來客量，再買菜、煮菜。為了上春節檔，李烈從上映日期倒推作業時間，精準計算發新聞、網站行銷、活動行銷等一步步流程，務必要衝出一億五千萬元基本票房門檻。
為什麼是一億五千萬元？李烈以製作成本倒推，「拍片規格變成五千萬後（後來增為六千萬元），再加上兩千萬的宣傳費，票房又要與戲院對分，至少要一億五千萬元才能打平。」
第二步，建立清楚的投資遊戲規則。為了讓投資人放心，她的做法是：為該片另成立一家「青春歲月」公司，她、《艋舺》導演紐承澤，與另六位投資人，同一天匯錢進公司，一個單位五百萬元，八位股東事後按股權比例分配獲利，清楚單純。《艋舺》賺錢，股東想獲利了結，即可出場；若想再投資，則將資金放到下一部片子、下一家公司內。
第三步，為達上億票房，卡司調整成「老少通吃」。「你想要什麼票房，你的俊男就要有各種不同型，老中青都要有，愛什麼口味可以選擇，」李烈說，尤其是年屆七旬的馬如龍，對中南部觀眾有很強的吸引力，在票房上絕對有「他的比例」。
第四步，抓緊時間。上映日期確定，製作時間就一路往回擠壓，一天都不能延。去年二月，他們承諾華納兄弟今年一月十五日交片，但當時，主要演員只敲定阮經天。意即一年內，《艋舺》完成確認卡司、籌資、準備前製作業、開拍、殺青定稿、進行後製作。開拍僅花兩個月，後製僅花兩個半月，相較一般國片後製需三至五個月，《艋舺》時間抓得非常緊。
「若不是春節檔，那我們就……，慢慢來。」李烈回憶。
她每天一張開眼，就是抓時間、抓成本。從拍攝花絮不難窺見，坐在角落的李烈永遠板著臉。她解釋，因為劇組有一百多人，租借機器是論天計算，只要多拍一天，吃飯、租借費、底片費就要增加，並且交片的時間也會延遲。
「我會盡量達到導演的要求，但是那些要求是要在控制內的。……我要評估，他要求的東西，想呈現的感覺合不合理。……這全是因為春節檔期，交不出片，電影就離回收的路更遠。」李烈坦言：「做為一個監製，我一定要比導演冷酷。」
與導演的衝突每天發生，全戲在吵架中完成。「我們倆的關係很緊張，我每天都在他後面，他背對著我，對演員和劇組喊：『後面有兩把刀子在盯著，快一點喔！你們快一點喔！』」李烈說，這是因為在各自的位置上，需要就事論事。
身為投資者之一的能率集團董事長特別助理董俊毅表示：「他們嘗試著要將電影的元素『模組化』。他們不會像有些導演，為了藝術、理想『無限上綱』，最終來說，有好的管理，賺錢的，才是好電影。」
第五步，精準行銷。相較於一般國片開拍新聞，只能占據報紙豆腐乾大小版面，李烈決定花五、六十萬元，把最早敲定的主角阮經天帶到坎城影展現場宣誓開拍。果然，去年二月開拍消息在報紙連續曝光數天，很划算。
為了製造一波波的新聞浪，儘管去年四月已敲定另一男主角趙又廷，但李烈卻刻意壓了兩個月，直到開拍前、去年六月才宣布。
計畫性培養影迷：
官網已經營十個月，有評論、花絮
試片方式也迥異。傳統國片是靠著大量試片，以及請名人撰文推薦造成影響力。但與片商討論後，《艋舺》仿照好萊塢做法，只在上映前一週辦唯一一場媒體試片，以增加神秘感。《艋舺》也不是完全棄絕「名人推薦」，而是以影音方式，放在官網上曝光。
曾參與國片行銷的齊石傳播行銷宣傳林晉湉認為此片「宣傳活動不零碎、有重點，而且有時間表，價值感較凸顯。」
官網則從○九年五月開張，到目前已經營了十個月，共有一百四十八則發文，這個頻率相當於兩天發一次新聞稿。發文內容有評論、花絮影音、內容介紹、導演專區、最新消息等，有專人守在網上回答問題、上傳文章。
李烈表示，官網是「有計畫的培養人口。」殺青後，「我們先放側拍搞笑的、輕鬆的內容。到後來與網友的情感越來越濃了，當觀眾與你在官網上互動起來，就是熟了。他們連美術、燈光叫什麼名字，原本不認識，但後來都知道了。」「養人口」的收割期在去年十月底後，一個月湧入六、七十萬人，雖然他們不一定都會買票進戲院，但比例絕對是正向的。
《囧男孩》導演楊雅?認為：「這部片子將國片帶入新的階段，運用非常高段的商業操作，商業籌資手法、商業宣傳手段、商業卡司，每一步都有精準盤算，超越以往國片！」五步驟精準操作，讓《艋舺》拉出票房長紅，也將國片帶入行銷新紀元。未來，台灣電影的商業操作手法，將越來越多采多姿。
延伸閱讀：以高投報率搶攻大銀幕
——近3年5大賣座國片
海角七號
投資報酬率 960 ％
票房：5.3億
成本：5,000萬
上映年份：2008
聽說
投資報酬率191％
票房：2,912萬
成本：1,000萬
上映年份：2009
艋舺
投資報酬率188％
票房：2.3億以上（上映中）
成本：8,000萬
上映年份：2010
不能沒有你
投資報酬率 140％
票房：958萬
成本：400萬
上映年份：2009
囧男孩
投資報酬率103％
票房：3,452萬
成本：1,700萬
上映年份：2008
(資料來源：各網站　整理／林俊劭)

最近在聯合上看到這個專題，位於北市的長春戲院，唯一的藝術電影院，也將熄燈。下文很多文化界的人相當惋惜，不過仔細想來，這樣反應的是什麼樣的圖樣。
我記得在韓國，也有類似民間的藝術電影院，但縱使韓國有保護政策，韓國電影可以出口，但那家藝術電影院仍經營困難。
如果從文化生產場域的角度看，各種藝術的品類，在整個場域裡面自有其定位，由於各種持有的「資本」不同，也形成不統的互動關係，更直接說，就是資源競爭的關係：既爭名、也在爭利，也在爭關係。依據作品面對的群眾來分，還可以分成大眾市場、小眾市場。
我對下面這個新聞第一個感到的，不是曾經撥過多少名片，而是，這家電影院，也包括提到的真善美等，他們在整個電影市場裡面扮演著何種角色，現在，猶如土俵上的力士，要被擠下土俵了嗎？
再延伸的說，電影究竟是藝術？還是市場？以下面這個新聞，乃包括長期對國片票房的觀察，感覺電影脫離不了市場：那就是成本、票房、通路這些東西，不管拍攝的題材、手法之別。當形成不了一定的規模，那就上不了電影院，甚至連電影院都會解體，退出土俵。因此，下文也出現「想看藝術片只能找DVD」。因為DVD，乃至於網路，又是另外一個土俵。好拉，用西方的話說是場域(Field)拉。
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長春戲院轉型 主打商業保留藝術
【聯合報╱記者何定照、項貽斐／台北報導】
2010.02.23 02:47 am
 
長春戲院傳出由國賓影城主導改裝，四月重新開張後，將以播放商業影片為主。
記者高智洋／攝影
藝術電影院再吹熄燈號。台灣最具指標地位的藝術電影院長春戲院，二月底將易手，國賓影城接手後將與附近的學者影城一起改裝，將更改戲院名稱於暑假前重新開幕，主映商業片，但仍會保留藝術電影的空間。
一九八三年六福集團開張長春戲院，曾是金馬國際影展的播放重要場地，兩千年後轉型純藝術電影院。
長春的挑片水準、放映設備、場地清潔、服務品質及環境是所有藝術影院之冠。
二○○六年藝術電影院總統及真善美戲院陸續關門，真善美雖重新開張，但不再只放藝術片；位於台北之家的光點電影院場地及銀幕都太小，長春成了影迷心中唯一的藝術「電影院」。
去年十二月六福集團決定與國賓影城合資設立國元影業，將長春戲院交由國元管理，因國賓持股百分之六十，因此日後影院走向由國賓決定。
「這令我很難過！」作家隱地說，聽聞長春將轉型，他趁年假拚命去長春看電影，想保留最後甜美回憶。他形容長春讓他覺得「住在台北很幸福」。
影評人聞天祥、李幼新、義美副董事長高志尚、作家亮軒、詩人管管甚至八十多歲的九歌老闆蔡文甫，也都是長春戲院常客。
國賓影城發言人蔡聖湘指出，未來影城將以新的名稱出現，兩邊加起來將會有十五個影廳，由於廳數多，一定會安排藝術電影放映，不會讓藝術電影就此消失。
【2010/02/23 聯合報】
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戲院轉型／學者：品味多元才使文化健全
【聯合報╱記者何定照／台北報導】
2010.02.23 02:47 am
 
長春戲院被認為是台灣最佳藝術影院，甫過世的法國導演候麥的「綠光」，全新拷貝正是在長春獨家首映；德國導演荷索驚動一時的紀錄片「灰熊人」也在此首演。
曾任國家電影資料館館長的北藝大戲劇系主任黃建業，他認為惋惜長春戲院轉型外，更須擔憂電影品味單一化。
黃建業表示，藝術電影在台灣最美好的年代是八○至九○年代初，此時金馬影展、長春戲院開始上映非美國片，對新一代從影人士及影迷的品味養成意義重大，例如侯孝賢、楊德昌等人掀起的台灣新浪潮電影風潮。
如今長春將轉型，藝術影院地標消失，黃建業憂心在商業力量主導下，藝術空間更小，更可能影響台灣自製電影走向，「海角七號、艋舺這類訴求大眾的片子外，台灣還需要更多元的影片，多元才使文化健全啊！」
作家隱地指出，長春轉型象徵台灣影界恐將更趨資本主義，「想看藝術片只能找DVD」。影迷小馬說，去長春最放心的，就是片尾絕對不會切掉，能安心看完全片，他建議長春在二月底舉辦「影迷回顧大聚會」，紀念在長春度過的美好時光。
【2010/02/23 聯合報】

FB上面有個「台灣電影人論壇 Taiwan Filmmakers Group」的站，開春時看到他們轉貼一則，在自由時報上刊載的戴立忍導演意見。
剛好連結到同一天在中時上的消息，比如黃俊雄想拍阿凡達、台北市政府與MI3之間的關係等，不禁去思考，究竟產業發展，一定要政府嗎？或者說，沒有政府去推文創，是否有機會？什麼狀況下，真的可以完全忽略政府因素，然後發展起諸如電影、設計、藝術產業？
221自由的訪談，後半段在談新聞局的旗艦計畫，談了幾部最近拍攝的國片：刺陵、功夫灌籃、不能說的秘密、海七等，也出現「這是非常籠統草率的視野。」評論，戴導演先前接受訪問，提到他對電影界的看法，其實十分精闢，比如對投資的看法，以百老匯比擬電影業等。值得注意這位20年經驗的電影人的看法。
最後，戴導演也提到對岸能夠伸縮上片的能力，並提出：「如果政府還把台灣電影的未來寄望於中國，實在是非常錯誤的方向」，也是重重一擊，因為現在無論電影、藝術等產業，甚至中央到地方的政府，中國熱是難免了。參加世博拉、北京還是哪的文博等，都是大篇幅報導。究竟中國市場是什麼玩意？對岸「廣電總局」是幹什麼吃的？好像不是很在意。
我倒是很在意，為何看赤壁等片時，一開始總有個廣電總局發給的字號阿!
有幾個小弟想看的對岸作品，好像都被這個機構在對岸禁演了：走向共和、蝸居....(建國大業沒有在列)
又不禁想起，過年前在自由也有這一篇：「《艋舺》酷在這句話 李烈：「這部片子從一開始，就沒想著中國市場...」」，裡面提出「中國規矩」的概念...
http://ccindustry.pixnet.net/blog/post/25778555
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《自由之星》戴立忍 台灣電影 有你真好
2010-2-21自由時報
●記者鄒念祖
戴立忍以四百萬的超低成本，拍出人文關懷意味濃厚的「不能沒有你」，在金馬獎勇奪最佳影片、導演等五座大獎，打敗幾億台幣製作的中國電影。展望虎年，他的願望竟然是「風調雨順」。
戴立忍在八八水災隔天就下南部幫忙，也曾公開批評政府最大的問題就是「沒有同理心」。他解釋說：「這聽起來是個平凡的願望，在全球氣候變遷的此時，卻顯得這麼重要，就連魏德聖拍攝『賽德克．巴萊』也受天氣影響，吃了許多苦頭。」
連同金馬獎在內，「不能沒有你」在全世界各影展拿回十八座獎。戴立忍說：「我沒有架子放，也還沒時間整理，全部堆在地上。」年前他參與演出台灣導演蘇照彬執導的武俠片「劍雨江湖」，過年時打算趁空好好整理這些獎座。
面對金馬獎帶來的各方邀約與拍片資金，以及華語電影市場風起雲湧的轉變，戴立忍表示他還在調整腳步，慢慢回到自己創作的節奏。今年他一定會執導新片，希望能穩住台灣電影的版圖，但還不能確定要拍哪一部。
戴立忍非常憂心新聞局輔導影視產業的五年旗艦計畫正走向錯誤方向。政府將中國視為影視產品的重要市場，積極鼓勵與中國合拍電影。戴立忍說：「『刺陵』在台灣與中國的票房都慘敗，其實就是一個警訊。」
「政府不是電影公司總經理，不該把心力放在研究台灣電影要怎麼拍，而是應架構一個對影視發展有幫助的環境。」新聞局研究報告總結「功夫灌籃」、「不能說的．秘密」與「海角七號」的成功，其共通點就是音樂元素，戴立忍直言：「這是非常籠統草率的視野。」
「阿凡達」在中國被強制減少上片戲院數，寧浩導演的「無人區」上片遭到刁難。戴立忍認為這顯示中國政府又開始緊縮電影市場，藉以掌控言論自由。在此時空環境下，如果政府還把台灣電影的未來寄望於中國，實在是非常錯誤的方向。